Dopo aver parlato della cutout animation, è opportuno presentare l’animatore russo Yuri Norstein, uno dei maestri assoluti di questa tecnica, il quale fu insegnante di un regista citato precedentemente ovvero Alexander Petrov .

Yuri Norstein nacque nel 1941 ad Andreyevka, ad ovest di Mosca, quando suo padre, che era ebreo, scappò dall’invasione tedesca durante la Seconda Guerra Mondiale.
A Norstein piacque da sempre disegnare e dipingere, perciò studiò presso un scuola d’arte, ma i suoi primi passi professionali li fece in una fabbrica di mobili. Decisè di fare un corso di animazione della durata di due anni ed in seguito nel 1961 trovò lavoro presso la Soyuzmultfilm.
Inizialmente iniziò come animatore di opere di altri autori, fino al 1968 anno in cui realizzò il suo primo lavoro da regista “25-pervyyden” ( 25 ottobre, il primo giorno ) coodiretto con Arkadii Tyurin.

Nei lavori di Norstein colpisce l’atmosfera che imprime ad ogni fotogramma, così come il suo stile personale e la sua grande padronanza tanto con il disegno che con la pittura. Un altro punto che emerge nell’opera di Noistein è la musica. Sotto questo aspetto dimostra di aver raffinatezza e ed enorme sensibilità nella selezione delle colonne sonore per i suoi cortometraggi.
In quanto alla tecnica, Yuri Norstein è un maestro assoluto nell’utilizzo della cutout animation , tecnica con la quale consegue risultati sorprendenti. Nonostante la tecnica in cutout preveda la bidimensionalità , Norstein tuttavia dota i suoi lavori di tridimensionalità per mezzo della camera a multipiano , alla quale dobbiamo le antenate produzioni in 3D. La camera multipiano consiste sostanzialmente nel collocare la fotocamera con obiettivo rivolto verso una serie di lastre di vetro, poste in diversi livelli tra loro in maniera distaccata, sulle quali, dopo aver collocato i componenti della scena, conformare la profondità. Il procedimento oltre ad essere lento è anche difficile da effettuare da soli, questo perché bisogna coordinare i movimenti dei vari piani tra loro. Se eseguito correttamente però, il risultato è molto professionale e di grande impatto.

Tra i suoi lavori più importanti vi sono “Skazka skazok” del 1979 ( Il racconto dei racconti ), in cui riesce ad esprimere l’eternità del tempo attraverso la ciclicità di un pre-ricordo di infanzia. Quest’opera, pluripremiata dall’anno della sua uscita nel ’79 sino allo Zagreb Word Festival of Animated Films del 2002, fu riconosciuta al Los Angeles Olympic Arts Festival nel ’84 come il più bel film di animazione di tutti i tempi.

Di notevole importanza è anche il dolcissimo cortometraggio  “Ёжик в тумане” del 1975 ( Il riccio nella nebbia ) anche quest’ultimo molto amato dal pubblico, il grande regista giapponese Hayao Miyazaki lo considera uno dei suoi film animati preferiti.
“Il riccio e la nebbia” sprigiona un’incantevole poesia raccontata dalla paura dell’ignoto, provata da un semplice riccio, il cui smarrimento viene da noi rielaborato con assoluta tenerezza. Norstein riesce in qualche modo, attraverso molti suoi lavori, a metterci in contatto con la nostra parte smarrita per riabbracciarla e riportarla al calore di un antico focolare.

Reynold Reynolds è nato nel 1966 a Central Alaska, è un artista della video arte unico nel suo genere ad interpretare le angosce del mondo contemporaneo attraverso un senso estetico molto raffinato ma anche grazie ad un approccio tecnico esemplare.
Durante gli studi universitari presso l’Università del Colorado a Boulder, Reynolds ha studiato fisica seguendo i corsi di Carl Wieman (Premio Nobel per la Fisica 2001). Dopo la laurea, inizia rivolgere l’attenzione allo studio dell’arte rimanendo altri due anni a Boulder per studiare regia sperimentale. Successivamente trasferitosi a New York, completa un Master presso la School of Visual Arts. Il suo medium artistico diviene la pellicola a 16 millimetri che utilizza per creare installazioni, documentari e film sperimentali.
Ha ottenuto diversi riconoscimenti a festival internazionali come il Black Maria Film Festival e il Sundance Film Festival, dal 2004 Reynolds è docente presso l’Accademia Americana a Berlino.

La sua ricerca abbraccia filosofia, scienza, tecnologia e tempo, ciò gli permette di indagare sugli aspetti della trasformazione del consumo e il degrado.
Per i suoi video utilizza la tecnica della stop-motion e il time-lapse che unisce in maniera del tutto innovativa creando situazioni temporali quasi claustrofobiche.

La time-lapse è una tecnica cinematografica nella quale la frequenza di cattura di ogni fotogramma è molto inferiore a quella di riproduzione. A causa di questa discrepanza, la proiezione con un frame rate standard di 24 fps fa sì che il tempo, nel filmato, sembri scorrere più velocemente del normale. Mediante questa tecnica è possibile documentare eventi non visibili ad occhio nudo o la cui evoluzione nel tempo è poco percettibile dall’occhio umano, come il movimento apparente del sole e delle stelle sulla volta celeste, il trascorrere delle stagioni, il movimento delle nuvole o lo sbocciare di un fiore.

Cura profondamente le scene e la fotografia con fotocamere digitali e pellicole da 16mm, richiedendo la presenza di attori professionisti che si muovono all’interno del set cinematografico.
In Secret Life (2008) ritrae una donna intrappolata in un appartamento che potrebbe simbolicamente rappresentare la propria vita o i propri pensieri.
In questo lavoro è presente uno degli elementi protagonista delle sue opere, il tempo, percepito come nuova realtà, destrutturato delle proprie caratteristiche, diviene presenza osservatrice.
Nel video la donna non è più limitata alla propria visione da unica occupante l’appartamento, ma viene scorta in maniera ossessiva dall’occhio del tempo. Una relazione che si intreccia in uno spazio sempre più ridotto e degradato. La mente di lei crolla e trascura l’organizzazione delle sue esperienze abbandonandosi alle sole sensazioni spazio-temporali. Mentre lo spazio si trasforma e prosegue nella sua attività, la protagonista diviene sempre più passiva. I suoi pensieri, la sua nuova fuga, prendono vita crescendo come le piante che popolano lo spazio attorno a lei.

Tra le opere di Reynolds vi sono anche: Six Easy Pieces 
(2010); Secret Machine ( 2009 ) ; Six Apartments (2007) ; Sugar (2005) ; Burn (2002); The Drowning Room (2000) ; Seven Days Til Sunday (1998).

Nell’ottobre 2011 l’artista ha tenuto un worklab a Bologna, rivolto ai giovani  artisti  e studenti appassionati alle tecniche video. Il laboratorio video, dal titolo Live stop-motion filming è stato organizzato dall’Associazione culturale “Nosadelladue” , era ambientato nelle atmosfere degli anni 30 del Novecento nonchè nelle surreali situazioni tipiche del video-maker americano. I partecipanti si sono comportati come in un set cinematografico, davanti e dietro l’obiettivo, curavano le scene, la recitazione, la fotografia, la regia, i movimenti di camera e la post-produzione digitale.

Nathalie Djurberg, nata in Svezia nel ’78, ha studiato presso l’Accademia di Belle Arti di Malmö ed è attualmente una video-artista tra le più acclamate al mondo.
La sua carriera è profondamente intrecciata a quella del musicista Hans Berg che da sempre crea le colonne sonore dei suoi video.
Il loro speciale sodalizio, iniziato verso la fine degli anni ’90, gli ha reso numerosi riconoscimenti in ambito artistico a livello internazionale.
La claymation è il medium attraverso il quale l’artista riesce rendere profondamente il proprio immaginario.
I temi trattati dalla Djurberg ruotano attorno alla drammaticità dei forti contrasti, situazioni surreali che evocano sensazioni arcaiche di erotismo, violenza e sopraffazione.
La claymation in sé, con i suoi colori vivaci, in qualche modo trasporta un significato legato al gioco e all’infanzia. La duttilità del materiale ludico, contrasta fortemente con le visioni della Djurberg che punta appunto lo sguardo sui contrasti delle emozioni e sulla transitorietà delle cose. Le musiche di Berg, coronano il tutto dando profondità alle situazioni, rendendole in questo modo estremamente suggestive.
Tra le sue opere ricordiamo : Camels Drink Water (2007) ; We are not two, we are one (2008) ; Turn into me (2008); Experiment (2009).
Nel 2016 la Djurberg ha inaugurato una personale a Milano con A Thief Caught in the Act.

Nathalie Djurberg at New Museum from Tom Chen on Vimeo.

Nato a Praga nel 1934 e laureatosi in regia e scenografia presso l’Accademia di Belle Arti di Praga, Jan Švankmajer è considerato uno degli esponenti più importanti del genere stop-motion. Ha studiato e praticato le rappresentazioni coi burattini, iniziando la sua carriera come regista cinematografico nel 1964 col cortometraggio The last trick (1964).

Solo nel 1987 ritorna con un lungometraggio dal titolo Neco z Alenky che nno riscuote un grande successo. Ritorna nel 1993 con il film Faust e nel 1996 produce Spiklenci slasti.

Jan Švankmajer ha uno stile inconfondibile, egli gioca con le suggestioni del corpo e del cibo intrecciando deformazioni grottesche e situazioni nauseabonde. Importante è la serie di corti realizzati con l’argilla Dimension of Dialogue (1982) costituita da 3 corti  Exhaustive Discussion – Passionate discourse – Factual Conversation,  Darkness Light Darness (1989). In in buona parte di queste claymation sono presenti materiali alternativi all’argilla come oggetti e elementi organici. Il cibo è un tema  fondamentale sul quale si basa quasi l’intero immaginario dell’artista.

Inoltre tra i suoi lavori cinematografici ricordiamo Alice (1988), Conspirators of Pleasure (1996) e Little Otik (2000).

Molto recente è la pubblicazione del suo ultimo film Surviving Life (2010) in cui il regista inserisce elementi in stop-motion attraverso la cutout animation. Purtroppo è un autore poco conosciuto in Italia, probabilmente per il solito problema culturale di questo Paese, che parte dal limitatissimo investimento nel settore cultura alla conseguente poca considerazione dell’animazione come forma d’arte

Si dice che Jan Švankmajer abbia influenzato il celeberrimo regista Tim Burton.

Nasce a San Marino nel 1965. entra all’Istituto d’Arte di Urbino, è una artista indipendente d’animazione. Ha vinto tanti premi dei festival internazionali del film; Cannes,Venezia e Berlino. Abita a Milano.

Quasi tutte le sue animazioni sono brevi; 2,3 minuti massimo 6 minuti, ma il suo senso d’arti grafiche affascina tanto. Le animazioni avanzano liberamente spensieratamente come una poesia non indicano un racconto. Nel suo stile sperimentale cambia le forme delle fotografie nel computer poi le stampa, disegna sulle fotocopie con suo senso splendido. il movimento è umido e morbido, cambia subito da corto a lungo in un momento.Toccafondo si avvicina al cinema proprio durante gli anni degli studi, quando inizia a pensare di infondere il movimento alla sua pittura. Le prime occasioni di lavoro nel campo dell’animazione avvengono a Milano, dove in pochi anni si afferma per il suo stile originale nel campo  della grafica e della pubblicità. Accanto a una produzione più commerciale ne esiste un’altra meno conosciuta. Si tratta di sette cortometraggi d’animazione, opere d’autore che il pubblico ha poche occasioni di vedere. L’ispirazione prima di questi film è stato il lavoro di ceramista del padre, che gli ha permesso di apprezzare la bellezza di una forma in movimento e il fascino del passaggio da una figura all’altra, ancor più che quello dell’opera compiuta.

Queste influenze emergono chiaramente nella continua metamorfosi delle figure, che fotogramma dopo fotogramma si allungano e si ricompongono fornendo ai suoi film un’eccezionale forza dinamica. Per i suoi cortometraggi Toccafondo sfrutta una metodologia di lavoro basata sulla rielaborazione dell’immagine: raramente parte dalla tavola bianca, più spesso utilizza immagini, foto o qualsiasi altro spunto preesistente per modificarlo e animarlo attraverso una pittura densa e trascinata.

In ognuno di questi film si assiste a una trasformazione continua da un fotogramma all’altro, ma allo stesso tempo permane la straordinaria forza espressiva di ogni singolo quadro. Così da rendere l’opera di Gianluigi Toccafondo un punto straordinario di unione tra cinema e pittura.

Ha realizzato gli alcuni spot pubblicitari come Woman finding love (insieme a Simona Mulazzani, per la Levi’s Los Angeles, 1993); Sambuca Molinari (per cui continua a lavorare negli anni successivi sempre con la regia di Pietro Follini, 1995); Rai, di tutto di più (per la Rai, 1995); I bambini e la televisione (per l’Arci di Roma e la Casa del Gioco di Mario Lodi, 1995); United Arrows (spot d’animazione per uno store di abiti, Giappone 1998).

Riconosciutissima la sua arte dell’animare, è molto apprezzata anche in televisione, molte sono le richieste per la realizzazione di sigle. Tra i suoi lavori più importanti ricordiamo: La coda (1989); La pista (insieme a Simona Mulazzani, 1991); La pista del maiale (cortometraggio autoprodotto, 1992); Media Salles cinema d’Europa (sigla destinata al circuito delle sale cinematografiche europee, 1992); Le criminel (un cortometraggio di 5’ per la SEPT/ARTE, 1993); Avanzi (ritratti animati di uomini politici, Raitre, 1993); Tunnel (sigla, Raitre, 1994); Carosello (con Elio e le storie tese sigla, Raidue, 1997); Pier Paolo Pasolini, un poeta scomodo (sigla, Raidue, 1997); Almanacco delle profezie (con Asia Argento, sigla, Raidue, 1997); Il Lungometraggio
Le monde à l’envers (sequenze di animazione all’interno del film di Rolando Colla, 1998); 10 parole al 2000 (sigla, Raitre, 1997); Pinocchio (un cortometraggio di 5’ per la SEPT/ARTE, 1998); Sipario Ducale (teatro musica e danza, festival delle terre di Pesaro e Urbino, 1999); Sigla Festival del Cinema (Biennale di Venezia, 1999); Il Lungometraggio
Le monde à l’envers (sequenze di animazione all’interno del film di Rolando Colla, 1998).

Timothy William Burton nasce a Burbank, in California, il 25 agosto 1958 in una famiglia piccolo-borghese.Tim Burton è ormai considerato uno dei registi più importanti del cinema contemporaneo. Il cinema di Burton diviene uno spazio virtuale in cui le tradizionali definizioni di bello e brutto perdono i propri confini e si scambiano di ruolo, per accedere al meraviglioso onirico, ambito vitale ed essenziale della nostra conoscenza. Le storie che Burton racconta sottolineando la distanza tra infanzia e l’età adulta, la sua capacità visionaria mostrano un mondo in bilico tra realtà e fantasia. Una fantasia gotica, dark, ma con un tocco di malinconia e un qualcosa che non esclude il comico, un che di giocosità, un’innegabile grazia.

Non tutti i suoi film sono realizzati in stop-motion, egli, come nel caso di Batman affida gli effetti speciali a professionisti di grande livello come :  Derek Meeding e John Evans.

Soffermandoci in particolare sui film realizzati in stop-motion, non si può non notare come Burton sia stato abile nel dirigere film di genere diverso, dalla fantascienza all’avventura, dall’ horror alla fiaba, tutti uniti però dalla stessa poetica malinconica, personalissima e visionaria. Tim Burton piace  perchè  ogni suo personaggio è il mostro gentile e  indifeso che abita in ognuno di noi, la nostra parte “incompiuta”  ( come dice Edward mani di forbici ) e nascosta.

Si pensa che con The Nightmare Before Christmas realizzato nel 1993, Burton abbia riportato sulla cresta dell’onda la tecnica a passo uno, prima di allora considerata sorpassata dall’uso del computer. Il film è senza dubbio uno dei suoi successi maggiori, anche se il regista è sempre notevolmente apprezzato dal pubblico sia tra grandi che tra piccini.

Per il lavoro artigianale del film sono stati necessari tre anni di lavoro e una squadra di artisti capitanati da Diane Taylor. Hanno lavorato sul set circa tredici animatori e più di cento persone tra operatori di ripresa specializzati, marionettisti, scenografi attrezzisti. In tre anni hanno riempito 19 studi cinematografici con più di 230 set e centinaia di pupazzi.

Per rendere il tutto fedele alla realtà ovviamente non è stato trascurato alcun elemento decorativo installativo e le piccole scenografie sono state trattate alla pari di un set cinematografico. Pete Kozachik il direttore della fotografia, per rendere tutto ancora più veritiero, ha utilizzato gli elementi luminosi presenti nelle scenografie, come lampade e candele.  Nel film ci sono all’incirca sessanta personaggi, quasi tutti costruiti in triplice copia, quindi quasi 200 pupazzi. Ogni pupazzo era alto circa 60-80 cm; quindi ogni set era grande dai 7 agli 8 metri lineari, smontabile per permettere agli animatori di poter lavorare comodamente.

Nel 2005 esce un altro grande capolavoro di questo incredibile regista, “La sposa cadavere“ Il progetto del film risale al 1993. Burton cominciò allora a disegnare I personaggi, mentre alla storia avrebbero poi lavorato Caroline Thompson, Pamela Platter e John August. I pupazzi sono stati realizzati dalla ditta Mackinnon and Saunders, la migliore al mondo nel settore. Le tecniche stop-motion sono integrate al computer, che ha perfezionato le luci e I sostegni dei pupazzi. Il film è stato girato in digitale con la macchina fotografica canon EOS-ID Mark II.

Uscito nel 2012 il suo ultimo film “Frankenweenie” , protagonista sono un bambino ed il suo cagnolino sventurato. Nel macabro mondo Burtoniano sono sempre l’amore e l’amicizia ad avere la meglio sulle cattive intenzioni della gente comune.